爵士樂在20世紀早期新奧爾良的文化發酵中诞生,它經過一系列的轉變性风格演化而成,每種形式都重塑了即興演奏的藝術,即興演奏的流派的心跳。從童話鎮的多音道街道到当代城市的實驗閣樓,爵士樂即興演奏既反映了表演者的技術掌握力,也反映了他們的情感深度。 了解這些风格的進展,以及他們独特的即興演奏技術,都點燃了爵士樂的創意,以及它與世界音樂、科技和社会變化的不断對話。

早期爵士樂和新奧爾良風格

新的奧爾良在這個世紀之交是音樂傳統的熔點:藍調、破碎、黃銅樂團游行、精神和加勒比節奏。 1917年左右最早的爵士樂錄音记录了一種基于集体即興化的音樂形式,其中的角、單簧管和长音同时在節奏基礎上結交了中庸。 這種多音的纹理(常稱為"熱" ) —— 需要那些很少寫過分的音樂家們的尖端聽覺和自發性。 像巴迪·波爾登、奧利弗王和杰利·羅爾·莫頓等先锋者塑造了這聲音,莫頓聲名聲稱自己是"发明了爵士樂"。

早期爵士音樂即興化的核心技術

  • 古典新奧爾良前線(角球、單簧管、長號)中, 每一個樂器都有固定的角色——角球帶旋律、單簧管旋轉、長號、滑動的和聲,
  • 音樂家會用一首簡單的曲子, 如「聖徒們進城時」, 改變節奏、加入藍色音符、或分解成片段,
  • 由於工作歌曲與教堂音樂, 這種技術由「歌舞團」(或另一首獨奏者)回答, 造成巨大的張力與放鬆。
  • 鋼琴家在獨奏或小組背景中, 使用左手節奏數字(分數為十和八), 而即興地播放右手旋律,

這種早期的風格强调群眾的創意,而不是個人的虛擬,為爵士樂打下舞台,成為玩家之間的對話。 藍調的語言(bent notes, growls, and hythic shall)的影響已經渗透到這些表演中,使得爵士樂的"髒"氣和推动性感覺立刻被認得。

旋轉時代與大樂團即興化

到了20世纪30年代,爵士樂從小新奧爾良梳理室搬到了芝加哥、紐約和堪薩斯市的舞廳,其中十至十六位音樂家為主。 搖擺時代(約1935–1945)通过收音機、唱片和薩沃伊舞廳等地的直播,把爵士樂帶給了觀眾。 班尼·古德曼等領袖用即興獨奏曲的方式平衡地排列了部分,形成了一個令人興奮的舞者與觀眾同時的動力。 搖擺的特征是一種強大的節奏性「groove ” , 是一种穩定的四拍脈搏,具有輕輕的舞蹈感覺,常常是用騎車的 ⁇ 和行的貝斯推动。

大樂團背景中的即興化

  • 索羅即興演奏在排列背景上: 獨裁者如萊斯特·楊(tenor sax), 科爾曼·霍金斯(tenor sax), 和羅伊·艾爾德里奇(trumpet), 隨著樂團演奏寫作風格或持續的谐音,
  • 由於樂隊的樂隊在Basie樂隊等地, 獨奏者用簡單的、重复的語言建起了線條, 樂隊可能會在這些詞后面演奏,
  • 」()藍色與五角星秤:[ 搖擺獨奏者大量依靠藍色比例尺(其平整的三分之一和七分之七)和五角星模型來設計顯出顯形的, 以表達出地表的獨奏,
  • 片段寫作作為即興化催化剂:[ 公爵艾林頓寫了部分模仿即興化的詞句,模糊了成分和即興化的分界线。他的成分,如"科頓尾巴"和"Mood Indigo",提供了啟發獨奏者探索異常和結構的框架。

搖滾時代也看到小組在大樂團(如Benny Goodman的三重奏或四重奏)內的崛起, 使得更親密的即興演出得以进行。 赫琳的Minton的游戲場等夜店裡數小時后繁衍的果醬會議文化成為了下一個革命風格的熔石。

貝波普: 和谐複雜度和 Virtuosic 即興化

20世纪40年代早期,一群年輕音樂家 — — 查莉·帕克( alto sax )、迪茲·吉萊斯皮( 長笛)、 塞隆尼斯·蒙克( piano ) 和肯尼·克拉克( drums ) — — 開始把爵士樂推向一個激进的新方向。 貝波普拒絕了以舞動為方向的旋轉節奏, 偏好快速節奏、 複雜的旋律和激動的口號實驗。 這是一首關于认真聽的音樂, 演奏的曲子是小梳子( quinetts 或 qurounders ) , 獨奏家可以伸展開。 節奏部分( piano, 低音, 鼓) 扮演了更交互式的角色, 旋律保持了時間, 而钢琴家則用強密的語發音“ 配合 ” 。

即時化金鑰技術

  • 高级和弦替代:[ 貝波音樂家常用變調或替代和弦取代標準和弦(例如:主弦的三音取代), 產生更丰富的口琴路. Parker的獨奏通过复杂的進程來編织像"Ornithology"的曲調,需要实时口琴計算.
  • 色學與近處注解: 玩家使用色學傳染音量來對準和弦音, 建立出乎意料的解開的張力。 “ 比波比度 ” —— 一個在第五度和第六度之間有色學傳染音調的主要比例表—— 成為一個標準工具 。
  • 貝波獨奏者不僅僅勾勒出三合奏或第七和弦, 更強調上層的延伸, 給予旋律一個現代的、精密的聲音。 迪茲·吉勒斯皮的獨奏常常用11和9來表示「外在」的感覺。
  • 第八個音符以突破速度運行, 常常包含arpeggios和序列, 要求有超乎尋常的技術。 Parker的著名「Bird」風格, 長長的、流動的語言似乎違背了酒吧的線,
  • 節奏移位與同步:[ Bebop鼓手Max Roach 發展出一种風格,使騎馬的 ⁇ 保持穩定的脈搏,而低音鼓和 ⁇ 增加了 ⁇ ,常常重音拍2和4或打破時間感覺。獨奏者會在節奏中穿過,產生分層的節奏結構。

貝波普將爵士樂從流行的娛樂轉變成了一種智慧藝術形式。 它的即興化需要深刻的理論理解 — — 關於天平、弦和形式的知识(通常基于流行的歌曲结构,如「韵律變更 」 ) , 以及即時的創意。 風格的影響力在今天的爵士樂教育中一直存在,因为學生們學習轉寫獨唱,練習「跑動變更」。

硬巴普和蘇爾爵士:藍色根和福音派

由藝術家布雷基、霍拉斯·斯銀和坎諾貝爾·阿德利等音樂家創作的硬派保持了貝波的口音精密,但又以更土的節奏、呼叫和反應以及模式性影響給它注入了氣息。 蘇爾爵士,吉米·史密斯等管家所領導的關聯式,强调格調和簡單、靈魂的旋律。

硬巴普和蘇爾爵士樂的即興表演

  • 藍調的語言和五音旋律:[ 獨奏者非常依赖藍調的尺度和靈魂的曲子彎曲,常常演奏模仿人類聲音的"髒"字眼,銀色的成分,如"傳道者",有一種像福音一樣的高喊合唱,邀請了情感獨奏者。
  • [ [FLT: 0] ] 呼叫和回應在獨奏者與樂團之間: [[[FLT: 1]] 在布萊克爵士樂信使中, 角會用尖锐的 riff 回答獨奏者的語言, 產生动态的相互作用。 這個技術讓音樂保持了即時的通訊性 。
  • 強制者吉米·史密斯用哈蒙德B-3的持續低音踏板和搖搖的萊斯利說話器來建立他藍調的台詞的催眠背景。
  • 模組和比例制的獨奏:[ 雖然不像模式爵士一樣激进,但硬體的獨奏者越来越多地使用模式(尤其是多利安和米科利迪安)來即興地克服靜靜的吸血鬼, 這種技术預示了模式革命。

硬的 bop 和 靈魂 爵士 保持 即興 、 感性 直接 、 而不犧牲 bebop 的 口琴創意。 這個風格在 20 年代一直很受歡迎, 也影響了 後來 Funk 和 R&B 。

20世纪50年代後期, 模式爵士的出現, 也發生了范式變化, 最著名的是邁爾斯·戴維斯1959年的專輯《 Kind of Blue[ 》 。 Modal爵士在長时期内, 最大限度地減少了快速和弦的變化, 更有利于在單調或模式上即興演奏, 使獨奏者脫離了常態的調調調調的限制。 John Coltrane的後期作品, 特别是在專輯上, 如[ My Favorite Ththings[ A Love Suplease , 推動模式即興化, 更进一步地把它當做精神表达和技术探索的跳板。

模擬即興技術

  • 單曲的音符(如多利安、普萊吉安、利迪亞恩)不是勾勒出和弦, 而是由單曲模式的音符來編製旋律。
  • 無聲者可以發出更長、更聲的音線。 Miles Davis在Flamenco Sketches上發出微弱的、氣息很慢的口號。
  • 數據區段常常依賴穩定的脈搏(通常為兩拍的感覺或溫柔的搖擺), 讓獨奏者可以使用節奏移動、沉默、以及動力膨胀等來產生情感影響。
  • 在模式內使用五音和藍調的調整: 即使是在模式背景中, 獨奏者也會沉浸在藍調中以增加土氣。 比爾·埃文斯的鋼琴獨奏在 Kind of Blue 上, 混合了模式纯度和色調傳染音調和藍調平調的第五。
  • 摩達爵士樂開了印度拉加斯、阿拉伯馬卡姆斯、非洲五角星等地的天秤,

摩達爵士樂代表了從波波的口琴複雜性中解放出來,讓先進者能專注旋律、心情和集体的相互作用。 也為後進的實驗奠定了基础。

自由爵士和阿凡特加德

自由爵士在1960年代初期就出現了更激进的發動:自由爵士,主要由上薩克斯派的奧內特·柯爾曼和鋼琴家塞西爾·泰勒率先發起。自由爵士拒絕了传统爵士的基本构思——固定弦調变化、定期节奏、甚至常规的和谐——而完全自發地集体即興化。這不是混亂,而是一種基于动机發展、文字相互作用和群體動力的新组织形式。自由爵士:集体即興化[(1961年)和約翰·柯爾特拉內的Ascension(1965年)等相關節目。

自由爵士即兴演奏法

  • 音樂家不從旋律或弦調進步開始, 而是從音符、節奏或能量等級開始,
  • 集合即興演奏,而不預定角色:[ 在經典自由爵士四重奏或雙重四重奏中,所有玩家同时即興演奏,產生厚厚的纹理。在音樂家對彼此的手勢做出反應,建立緊張,密度,以及放行時,聽力變得很关键。
  • 極端的器械技術:[ 玩家使用過速吹動,多音(一次產生兩個音符),按鍵,以及非常规的指頭來產生新聲音. 約翰·柯爾特蘭的音效表 - 快速,色學的跑動,模糊成谐音雲 - 解釋此方法 。
  • 自由節奏和公制移動: 沒有穩定的節奏; 音樂可能會因群組直覺而加速、減慢或完全停止。 鼓聲常常播放彩色、破碎的時光而不是搖擺。
  • Motivic 發展為組織原則 : 雖然自由爵士樂表面是隨機的, 但自由爵士樂常常依赖于能將表演團結在一起的小的旋律或節奏性細胞(motifs)的重複和變化。 Coleman的独奏常常會在抽象中回到一個簡單的藍調的詞句。

自由爵士樂和音樂一樣是一種社會聲明,它向種族歧視、制度規則以及藝術商品化提出了挑战。 它的即興語言不仅影響了後來爵士樂,而且影響了当代古典音樂和實驗音樂。

爵士樂的融合與超越

到了20世纪60年代後期和70年代,爵士樂演奏家開始融合摇滚、放克和电子樂器元素,从而產生聚變。像Miles Davis的電動團體()一樣的樂團(在寂靜的路 ),Bitches Brew[,"天气報告",以及"回到永生混合的爵士樂"(Rock 節奏,放大的樂器)和工作室效果。 這個時代也看到了90年代精神爵士和酸爵士的兴起,并最终也看到了当代爵士樂的旋律形式。

融合和现代即兴技术

  • 吉他手如約翰·麥克勞林和帕特·梅西尼使用扭曲、wah-wah、延遲踏板來塑造他們的獨奏。 Herbie Hancock的鍵盤包含了合成器和vocode器, 擴展到圓調色板。
  • 音樂的傳統性是一種與音樂相關的音樂。
  • 由於氣候報告的成份常使用多利安和普利吉亞模式來取代催眠性吸血鬼。
  • 基于手術的即興化:[ 许多聚變獨奏者鎖在重复的低音線或節奏中, 用重复的效果在平台上建立延伸的獨奏。 這個方法是「強樂團」傳統(Medeski Martin & Wood, The Bad Plus)的核心。
  • 科技集成:[ 環球、樣本觸發器和活電子可以讓現代的隨機器实时分層發聲, 產生密集的、進化的纹理。 藝術家如羅伯特·格拉斯珀和卡馬西·華盛頓, 将音效爵士即興化和嘻哈拍子和电子製作结合起来。

現代爵士也包含跨流派合作:Esperanza Spalding融合了巴西的節奏和古典形式;Vijay Iyer使用印度音樂的節奏周期;Christian Scott aTunde Adjuah包含陷阱拍子和狂歡節印度影響。 即興化仍然居於中心地位,但词汇已擴展到包括全球和电子元素。

即兴的永恆精神

從早期新奧爾良爵士樂集體到今天聚會的电子景观,即兴化一直是爵士樂的定義特征。 每种風格—— 貝博普的口號跳跃、爵士樂的排解自由、自由爵士的集体冒險—— 都增加了新的工具、技术和哲學,加入了即興化的套件。對音樂家來說,學習這些風格不是模仿而是吸收词汇來發展個人的聲音。對觀眾來說,理解進化的進化丰富了聽到獨奏的經驗 — 認清引言、替代、模式转变或自發的集体爆發。爵士即興化是一种活生態的傳統,它既能适应新环境,又能根植于自發性、交流和創用風險的核心价值观。 由于流源源源源源源源不断与全球音樂和技术交接在一起,其即興化精神无疑將塑造出這部令人驚人的故事的下一章。

研究爵士樂歷史的完整概述, 探究所有關於爵士樂的檔案。 最后, 透過[ [FLT: 4]] 爵士樂鋼琴站[[[FLT: 5] 和[[[FLT: 6] 爵士樂建議[[FLT: 7]] 加深你對具体技術的理解。 對於學術角度, 參考[[FLT: 8]] Oxford Biblographies on Jazz[[FLT: 9] 。 最后, 聆听創意錄- Parker的"Ko- Ko", Coltrane的"A Love Supreme", 和 Davis的"Bitches Brew" —— 透過圖書室或流動服務來聽到進化的第一手。