爵士乐诞生于20世纪初的新奥尔良的文化发酵中,通过一系列的变革风格演化而来,这些风格都重塑了即兴艺术——流派的持久心跳。 从童话城的多声道街道到当代城市的实验楼,爵士即兴反映了其表演者的技术掌握和情感深度。 理解这些风格的进步及其独特的即兴技巧,激发了爵士乐的创造精神及其与世界音乐、技术和社会变革的持续对话。

早期爵士乐和新奥尔良风格

世纪之交的新奥尔良是音乐传统的一个十字架:蓝调、破烂、铜管乐队游行、精神和加勒比节奏。 1917年左右最早的爵士乐录音记录了一种建立在集体即兴化基础上的音乐形式,其中角、单簧管和长号同时围绕节奏基础编织了中线。 这种多声调的纹理 — — 通常被称为“热”演奏 — — 要求很少写过乐谱的音乐家们认真倾听和自发。 像巴迪·博尔登、奥利弗国王和杰利·罗尔·莫顿这样的先锋队友们塑造了这种声音,莫顿著名的声称他们已经“发明了爵士乐 ” 。

早期爵士乐即兴化的核心技术

  • 拼凑即兴:[ 在经典的新奥尔良前线(角,单簧管,长号),每个乐器都有明确的角色——角带旋律,单簧管绕着它,长号演奏滑动的谐音——创造复杂自发的对调点.
  • 迷幻装饰和变奏:[ 音乐家们会采取"当圣徒们进军时"这样的简单调子,并改变其节奏,添加蓝色音符,或者将其破碎成碎片,从旋律本身而不是和弦变化中建立独奏.
  • 呼叫和回应:[ 从工作歌曲和教会音乐中借来的,这种技巧涉及由综艺(或另一个独奏者)回答的独奏"呼叫",引起戏剧性的张力和释放.
  • 巴雷豪斯和步琴:[ 在独奏或小组背景中,钢琴家在即兴演奏右旋律时,使用左手节奏人物(弦乐十和八),这种技巧后来影响了像肥沃勒这样的摇摆钢琴家.

这一早期风格强调集体创造力,而不是个人的虚拟性,为爵士乐的演奏者们的对话创造了舞台。 蓝调的配音 — — 宾语、咆哮和节奏的摇摆 — — 已经渗透到这些表演中,使得爵士乐以其"肮脏的"语气和推动性的感觉而立即被认出来。

摇摆时代和大乐队即兴演出

到了20世纪30年代,爵士乐从小新奥尔良组合转向了芝加哥、纽约和堪萨斯城的舞厅,其中十至十六名音乐家为主。 摇摆时代(大约1935年—1945年)通过广播、唱片和萨沃伊舞厅等场所的现场广播为大众观众带来了爵士乐。 诸如埃林顿公爵、巴西伯爵和班尼·古德曼等领导人用简易独奏曲平衡了精心安排的曲目,创造了一种激动舞者和听众的动态。 摇摆的特征是一个强大的节奏性“groove ” —— 一种稳定的四拍脉冲,具有轻轻轻轻轻轻的舞蹈感,常常由骑马车的宾巴勒和低音推动。

大乐队背景下的即兴

  • Solo 即兴演奏在排列背景上的: 独奏家如莱斯特·杨(英语:tenor sax),科尔曼·霍金斯(英语:Coleman Hawkins),和罗伊·埃尔德里奇(英语:Roy Eldridge (trumpet))在乐队演奏写作风或持续谐音时,即兴表演,年轻人的放松,美化风格和霍金斯的强健,谐音方式成为了世代的典范.
  • Riff基于即兴演奏:在Basie乐队等中,独奏者用简单的,重复的短语(riff)搭建了乐队可能在他们后面演奏的台词,创造了调和响应的效果,这种方法使得独奏可以进入,并且对舞蹈友好,同时保留自发性.
  • 蓝色和五音天平:[ 挥动独奏者严重依赖蓝调天平(其平整的三和七)和五音天平图案来制作表现,土质的独奏. 霍金斯1939年录制的"波迪和灵魂"展示了独奏者如何在和弦变化上发展一个旋律弧,影响后来的贝波.
  • 科特写作作为即兴催化剂:[ 公爵埃林顿写了部分模仿即兴配音,模糊了组成和即兴配音之间的界限,他的构思如"科顿陶"和"Mood Indigo",提供了激励独奏者探索异常谐音和纹理的框架.

"摇摆时代"还看到了小团体在大乐队(如本尼·古德曼的三重奏或四重奏)中的崛起,允许更亲密的即兴演奏. 赫琳的明顿游戏场等俱乐部数小时后兴盛的果酱会话文化成为了下一部革命风格的十字架.

贝博普:和谐复杂和维托奥斯即兴

在20世纪40年代初,一群年轻的音乐家 — — 查尔斯·帕克(英语:Charlie Parker (alto Sax)),迪兹·吉莱斯皮(英语:Dizzy Gillespie),塞隆尼斯·蒙克(英语:Thelonious Monk),肯尼·克拉克(英语:Kenny Clarke) — — 开始将爵士乐推向激进的新方向。 贝博普拒绝了以舞为导向的节奏,倾向于快速节奏,复杂的旋律,以及激进的口号实验。 这是严肃的倾听音乐,演奏于小梳子(quinetts或quroteles), 独奏者可以伸展。 节奏部分(钢琴、低音、鼓) 扮演了更互动的角色,在钢琴家“与穿透口的口”中保持了时间。

键 Bebop 即兴技术

  • 高级和弦替代:[ 贝波音乐家经常用改变或替代的和弦代替标准和弦(例如,三音取代主弦),创造更丰富的谐音路径. Parker通过复杂的进化编织来独奏像"Ornithology"这样的调子,需要实时谐音计算.
  • 色调和近处注释:[ 玩家使用色调传动声调瞄准和弦声,建立出乎意料的解决张力. "比波尺度"——一个在五度和六度之间带有色调传动声调的主要尺度——成为标准工具.
  • 扩展的和弦(9th,11th,13th): 贝波独奏者不但没有简单地概括三体或第七和弦,而是强调上延,给旋律一个现代,精密的声音. 迪兹·吉莱斯皮的独奏经常用增强的11th和平坦的9th来表示"外侧"的感觉.
  • 快速,复杂的中线:[ 第八音节运行速度突破,经常包含alpeggios和序列,要求有非凡的技巧. 帕克著名的"Bird"风格呈现出长长的,流畅的短语,似乎藐视了条线,形成了连续的思潮流.
  • 节奏移位和同步:[ 贝波鼓手马克斯·罗赫(Max Roach)发展出一种风格,骑马的 ⁇ 保持稳定的脉冲,而低音鼓和螺旋则添加了 ⁇ ,经常重音节拍2和4或打破时间感觉. Soloists会演奏到节拍的交叉处,形成一层的节奏织物.

贝博普将爵士乐从流行娱乐转变为一种知识艺术形式。 其即兴创作需要深刻的理论理解 — — 对天平、和弦和形式(通常基于流行歌曲结构,如“韵律变化”)的了解 — — 以及瞬间创造力。 风格的影响在当今爵士教育中持续,因为学生学习转写独奏,练习“运行变化 ” 。

硬巴普和灵魂爵士乐:蓝西根和福音派传奇

作为贝博普的复杂性有时疏远的观众,1950年代的一次反应将爵士乐带回了它的蓝调和福音基础. 由Art Blakey,Horace Silver,以及Cannonball Adderley等音乐家开创的硬波保持了贝博普的口音精致,但注入了更多的土质节奏,召唤和响应,以及模式性的影响. Soul爵士乐,吉米·史密斯等管风琴家所领导的相关风格,强调格调和简单,灵魂的旋律.

硬巴普和灵魂爵士乐的即兴表演

  • 蓝调和五音旋律:[ 独奏家们严重依赖蓝调的尺度和灵魂的曲调弯曲,经常演奏模仿人类声音的"脏"字调,银色的构象,如"传教士",有着象福音般的高呼合唱,邀请了情绪独奏者.
  • 独奏者和乐队之间的呼声和响应:[ 在布莱基爵士乐的爵士乐信使中,角会用尖锐的风笛回答独奏者的短语,产生动态的相互作用,这一技巧使音乐保持了即时的交流.
  • 面向地心的即兴演奏:[ 灵魂爵士演奏家经常被锁在深处,重复的格斗中,让他们用渐进的建筑探索更长的独奏. Organist Jimmy Smith使用哈蒙德B-3的持久低音踏板和摇摇的莱斯利扬子为他的蓝调的排行创造了催眠背景.
  • 摩尔和按比例的独奏:[ 虽然没有像模式爵士那样激进,但硬波独奏者越来越多地使用模式(尤其是多利安和米索利迪安)来即兴地战胜静态的吸血鬼,这种技术预示着模式革命.

硬波和灵魂爵士保持了即兴和情感上的直接,同时不牺牲贝波的谐音创新. 这种风格在20世纪60年代一直流行,并影响了后来的funk和R&B.

1950年代末,随着模式爵士的出现,出现了范式转变,最著名的是在Miles Davis的1959年专辑[ Kind of Blue[上实现. Modal爵士将快速和弦变化降到最低,有利于长时间在一个单一尺度或模式上即兴演奏,使独奏者摆脱不断转变的和谐的束缚. John Coltrane后来的作品,特别是在专辑上,如[ My Favorite Ththings和 A Love Suple ,进一步推动模式即兴演奏,将其作为精神表达和技术探索的跳板.

模块化技术

  • scalar探索和流体细胞:[ 独奏者不但没有勾勒出和弦,而是从单模式的音符(如多利安,普赖吉安,或利迪安)中构筑出旋律. Coltrane on "So What" 上演奏了经过多利安尺度爬升的长篇,同步的短语,创造了沉思,流体的质量.
  • Longer, lyrical 短语:[ 没有频繁和弦变化的压力,不言而喻的人可以发展更长,更多的声线. Miles Davis在"Flamenco Sketches"上的哑号小号使用微妙,气息大的短语,慢慢地建立起来.
  • 节奏和动态变异:[ modal节度经常依赖于稳定的脉冲(通常为两拍的感觉或温和的摇摆),允许独奏者使用节奏的移位,沉默,以及动态的膨胀来进行情感影响. Coltrane的"我的最爱事物"使用一种驱动华尔兹节度,其模式的独奏会构建为狂喜的高潮.
  • 模式内使用五音和蓝调的音标: 即使是在模式背景中,独奏者也会浸入蓝调的反射中加入土调. Bill Evans的钢琴独奏在 Kind of Blue 上结合了模式纯度与色调传动的音符和蓝调平分五等.
  • 向非西方尺度扩展:[] 摩达尔爵士乐打开了从印度拉加斯,阿拉伯maqams和非洲五角星等的尺度的大门,后来被科尔特兰等人充分开发.

摩达尔爵士乐代表了摆脱了波波的口琴复杂性,让先锋们能够专注于旋律、情绪和集体互动。 这也为随后的先锋实验奠定了基础。

自由爵士乐和阿凡特-加尔德

1960年代初,出现了一种更激进的转变:自由爵士,主要由上萨克斯派的奥内特·科尔曼和钢琴家塞西尔·泰勒率先提出,自由爵士拒绝了传统爵士的基本构思——固定的弦变化、定期节奏,甚至传统的和谐——主张完全自发的集体即兴化。这不是混乱,而是基于动机发展、文字相互作用和群体动态的新组织形式。自由爵士:集体即兴化[(1961年)和约翰·科尔特兰的Ascension(1965年)将即兴化推到极限。

免费爵士即兴演奏

  • 数学即兴:[] 音乐家们不是从旋律或和弦进步开始,而是从音符,节奏,或能量水平开始,然后发展出集体意识流. 西塞·泰勒的钢琴环境密集,有聚团,运行时会违抗传统的分类.
  • 集合即兴演奏而不预先确定角色:[ 在经典的自由爵士四重奏或双重奏中,所有玩家同时即兴演奏,产生厚厚的纹理. 聆听随着音乐家对彼此的手势的反应,建立紧张,密度,以及释放,变得至关重要.
  • 扩展的器乐技术:[ 玩家使用过度吹动,多声(一次产生两个音符),按键,以及非常规的指法来产生新的声音. John Coltrane的音速表,色谱运行模糊为谐音云——举例说明这个方法.
  • 自由节奏和度量调:[ 没有保持稳定的节拍;音乐可能根据组的直觉加速,减速,或完全停止. Drums经常演奏色彩主义,破碎的时间而不是摇摆.
  • Motivic发展作为组织原则:[ 尽管明显的随机性,自由爵士乐经常依赖于将性能统一起来的小的中线或节奏细胞(motifs)的重复和变异. Coleman的独奏经常在抽象中回到一个简单,蓝调的短语.

自由爵士乐与音乐一样是一种社会性言论,它挑战种族主义、体制规范和艺术商品化。 它的即兴语言不仅影响了后来的爵士乐,也影响了当代古典音乐和实验音乐。 自由爵士乐是一场充满活力的音乐活动。

爵士乐融合与超越

到20世纪60年代末和70年代,爵士乐家开始融合摇滚,放克和电子乐器等元素,从而催生了聚变. Miles Davis的电动组()等乐队在寂静的路[,Bitches Brew[,"天气报告",以及"回归永远混合了爵士即兴化与摇滚节奏,放大乐器,以及录音室效果". 这个时代也见证了90年代灵魂爵士和酸性爵士的兴起,并最终形成了当代爵士的精致形式.

融合和现代即兴技术

  • 电动仪器和效果:[ 约翰·麦克劳林和帕特·梅西尼等吉他学家使用扭曲,wah-wah,并延迟踏板来塑造他们的独奏. Herbie Hancock的键盘融合了合成器和vocode器,扩展为螺旋调色板.
  • 韵律实验:[] 融合经常采用funk backbeats,奇数米(5/4,7/8),以及从世界音乐中衍生出来的多韵律. Drummer Tony Williams演奏时使用了类似摇滚的能量,推动了节奏感. Metal和电子舞蹈音乐节奏也被整合.
  • 黑斑鳞片和模式: 融合假象将贝波鳞片与蓝,五色,异形鳞片(如匈牙利小鳞片,日本五色鳞片)混合在一起. 乔·扎维努尔的气象报告成分经常在催眠吸血鬼上使用多利安和普里吉亚模式.
  • 基于Groove的即兴演奏:[ 许多聚变独奏家锁定在重复的低音线或节奏中,并在平台上建立延伸的独奏,使用重复来效果. 这种方法是"jam乐队"传统(Medeski Martin & Wood, The Bad Plus)的核心.
  • 技术集成:[ 循环器,样本触发器,以及活电子器能使现代的即兴器实时分层发出声音,产生密集,不断发展的纹理. 罗伯特·格拉斯珀和卡马西·华盛顿等艺术家将声学爵士即兴与嘻哈节拍和电子制作相结合.

当代爵士乐也包含了跨流派的合作:Esperanza Spalding融合了巴西的节奏和古典形式;Vijay Iyer使用来自印度音乐的节奏循环;Christian Scott aTunde Adjuah包含陷阱节拍和狂欢节印度影响. 即兴化仍然占据中心地位,但词汇已经扩展,包括了全球和电子元素.

即兴精神的永恒

从早期新奥尔良爵士乐的集体多声波到今天的融合电子景观,即兴化一直是爵士乐的决定性特征。 每一种风格 — — 比波普的口琴跳跃、爵士乐模式的自由、爵士乐自由、自由的集体冒险 — — 都为即兴者工具包增加了新的工具、技术和哲学。对于音乐家来说,学习这些风格不是模仿而是吸收词汇来发展个人声音。 对于听众来说,理解这种演变丰富了听到独奏的体验 — — 承认引言、替代、模式转变或自发的集体爆发。爵士即兴化是一种活泼的传统,它始终适应新的环境,同时植根于自发性、交流和创造性风险的核心价值观。 由于流派继续与全球音乐和技术交织,其即兴化精神无疑将塑造这一令人瞩目的故事的下一章。

进一步解读: 对于爵士历史的全面概述,探索 All About Jazz 档案。通过[] 爵士钢琴场[]和[爵士建议[]],加深你对具体技术的理解。对于学术观点,请参考 Oxford Biblogritories on Jazz。最后,请聆听基本录音——Parker的“Ko-Ko”、Coltrane的“A Love Supreme”和Davis的“Bitches Brew”——通过图书馆或流线服务,第一手听到进化。