导言:在特罗姆博内建立两个世界

爵士乐和古典音乐常常被视为工具世界中独立的岛屿,然而双曲风却在两者中都蓬勃发展。 历史上最有表现力和技术上最精细的长调演奏家们都从两种传统中自由地汲取了经验,交叉波澜思想来创造出更多功能、更细微的声音。 如果你是一个古典训练的长调乐手,想扩展你的表达调色板,或者一个爵士乐手,试图完善你的控制和精准度,那么这些方法的合成可以大大提升你的音乐人气。

文章探讨了如何自觉和有效地将核心爵士曲调技术——如灵活措辞、不同表达、滑动紫外线、节奏细微和即兴思维——运用到古典背景中去。 目标不是放弃古典主义纪律,而是用爵士乐自然培养的自发性、色彩和情感直接来丰富它。 结果,音乐家能够用真实性和深度处理任何风格。

理解核心差异和重叠

在混合技术之前,应该认识到爵士乐和古典长音的区别之处和共同点。 古典长音演奏的基础应该是精确的融合、一致的语调质量、严格遵守书面得分和强调乐谱的重心。 古典长音的演奏应该像作曲家所指出那样执行动态、表达和节奏。 古典环境中的音响理想往往有重点、有中心、整个乐器都相对一致。

相形之下,爵士乐则会奖励声音的个性,节奏灵活性和即兴性。爵士乐演奏者会用对话的轻松度塑造短语,使用更广泛的表达方式(包括鬼怪的调侃,掉落,和多伊特),并经常使用更宽松,更浮扬的节奏感。 音色可以在单个独奏中发生剧烈变化,而内化可能为表达效果(blues notes, s/4 tones).

尽管存在这些明显的差异,但基本力学 — — 呼吸支持、浮雕形成、滑动控制和核心音调生产 — — 是一样的。 两个领域最好的玩家都对气流有着特殊的控制,耳机和乐器之间有着深厚的联系。 承认这种共同的基础可以使爵士乐概念在不牺牲古典完整性的情况下应用到古典演奏中。

历史跨边界化

值得注意的是,许多传奇的长音琴家都混淆了这些线条,例如杰克·茶加登[]]将歌唱,从早期古典训练中传来的法式品质带入爵士独奏中,后来,长音琴家如[比尔·瓦图斯和]Urbie Green]等数字表明,无懈可观赏的古典手法可以服务于最流畅的爵士即兴致,现代的象 ]克里斯蒂安·林贝格利桑迪[]]],以及节奏乐器演奏者将爵士的演奏融入了当代古典作品的表演中。

用于经典游戏的密钥 Jazz Trombone 技术

以下技术构成了爵士乐的工具包的核心。 当谨慎运用时,每种技术都可以在古典式的回放中添加新的表达层。

  • 弹性写法:[ 爵士词将音符作为更大的音乐句的一部分,自然的节奏和流转在节奏和动态中. 古典玩家可以学习以更有机的方式而不是完全执行每个音符来塑造短语.
  • 文艺: 除了标准的调侃之外,爵士乐还使用鬼音符(几乎可以听),礼格通舌,耳光通舌,以及“面条”调侃。这些都增加了色彩和节奏驱动。
  • 斯利德·维布拉托:[ 与古典唇形维布拉托或下巴维布拉托不同,滑动维布拉托涉及滑动的微妙振荡,为利琴通道创造了一个更宽,更温暖的投球波动理想.
  • 韵律感和同步:[ 爵士节奏的摇摆,但即使是直立的片段,也得益于微妙的前向脉冲和偶尔的离拍口音.
  • 动态努恩斯和发型:[ 爵士乐玩家经常使用戏剧性膨胀,突然下降,和 messa di voce (居住在单音符上)来讲述一个故事.
  • 演示意识:[ 即使不是即兴表演,知道如何听到和弦的进化和预期的流体解析,也能够使更自信的表达和装饰更加灵敏.

在经典汇辑中应用灵活措辞

古典的长调部分,特别是在管弦乐环境中,往往包括长的,韵律的段落或反复的节奏数字。 这些没有故意的用词,可以听起来是静止的。爵士乐的用词教导我们把每个短语当作一个叙事:从空间开始,建立紧张,达到一个高点,放松对解析度.

要练习,请选择古典格言或节选(例如莫扎特语中的罗曼泽语或波尔多语化语音) 。 记录自己按书面写法演奏, 严格的时间和等同的动态级别。 然后重放同一段, 这次允许在句尾稍稍擦擦- 推回, 稍稍向前推入高潮。 用呼吸来塑造每行的拱门。 比较这两段录音。 第二段可能会听起来更人性化、 表达性化和接触性。

保持微妙性很重要。 古典背景很少容忍极端节奏的转变,但只要有一点节奏的灵活性 — — 重要方面略微的十足,通过尺度的温和加速 — — 就可以在不违背作曲者意图的情况下使音乐恢复活力。

增强配色和调色

古典化的表达标记(staccato, legato, marcato, tenuto)相对较少。 Jazz trombonists使用更细微的Tonguing来达到不同的节奏感。 比如,“ghost”音符的舌头轻到只能发出震撼性弹出或极弱的音调。这一技术可以在古典化的段落中用来产生距离或神秘效应,特别是在当代的重现中。

另一种有用的表述是“面条”舌头(一种快速的,流畅的双音效果),它能给快速通道增加一个平滑的,滚动的质量。 尝试将面条的音符应用到一个古典的16音节的快速运行中 — — 它听起来比标准的“ta-ka”双音听起来更流畅,更不尖刻。

应用示例:经典通道

想想从拉维尔的 博莱罗 打开特罗姆博内索洛。 旋律需要唱的、持续的质量。 许多古典演奏家在整个过程中使用一致的条形音。 爵士乐影响的方法可能从温和、几乎低声攻击(鬼魂敲响第一音)开始,然后膨胀成更充分的声音,并在更长的音符上加入一个细微的滑动维布拉托来模仿一个声乐家。 结果更具有刺激性和机械性。

更具体的练习是,通过五种不同的表达风格来进行简单的比例化的通过和循环:标准détaché、legato 舌头、鬼笔记、 doodle 舌头和过于简洁的staccato。记录和聆听每个字。这构建了您的表达调色板,以便您可以选择任何音乐时刻最表达性的选择。

使用幻灯片 Vibrato 来表达情感深度

滑动紫布拉托是能够转变古典演奏的最为显著的爵士元素之一. 与比较常见的唇形紫布拉托(通过改变浮雕压力而改变音位)或下巴紫布拉托(通过斜拉下巴)不同,滑动紫布拉托产生一个更宽,更慢的振荡,在中低收录符上听起来特别温暖.

练习滑动的紫外线: 保持一个持续音符( 最好是在中C到G之间, 高于中C ) 。 保持唇和下巴的稳定, 轻轻地将滑动向后移动—— 大约在半步总运动中—— 速度大约为每秒4到6个振荡。 开始缓慢并逐渐提高速度。 运动应该来自手腕和前臂,而不是肩膀。

在古典演奏中,使用滑动的vibrato节奏。 它在短语结尾处、慢中线上(如Berlioz的-匈牙利March 或Wagner的-Tannhäuser present)的整条音符上效果优美,但在快速段落或Baroque音乐中,vibrato经常被保留用于节奏。过度使用可以听起来是血栓或单调。 拇指的好规则:用vibrato来记下情感重量,并避免纯粹的节奏或结构性音符。

包含韵律感和动态

古典节奏处决一般严格,不允许摇摆。但是,你仍然可以借用“拍子后面”或“拍子前面”的爵士乐概念。在节奏缓慢、修饰的通道中轻轻地在拍子后面演奏,可以产生放松和宽度的感觉。在充满活力的阿莱格里稍稍向前演奏可以增加驱动力和紧迫性。这不是摇摆,而是对节奏格格子的微妙操纵,它增加了个性。

爵士乐中的动态往往在一个单词中被塑造: crescendo 可能从几乎无动于衷,构建到强大的顶峰,然后突然下降。经典玩家可以将这一技术应用于长音符或重复的图案。例如在莫扎特语曲的第二次运动中,许多玩家维持一个一致的 mezzo forte 。相反,尝试用非常软的 pianissimo 攻击开始入口,然后在短语结尾处膨胀到完全的 forte ,然后在下一个音符上迅速降回 piano 。这创造了戏剧和叙事弧。

提高典型表现的即兴意识

即兴音乐可能与一个古典的长音符无关,因为古典的长音符会从页面上读出每张音符。 然而,即使是最严格的乐章,也为解释性的选择留下了空间:动态、表达、节奏细微、装饰(特别是在巴洛克音乐中 ) 。 理解一个作品的谐音结构和美化可能性可以为这些选择提供参考。

简单的做法:取一个古典主题——比如Rimsky-Korsakov的长音协奏曲或Bordognique etude的第一运动的主题——并用基本和谐的和弦调(arpeggios)来构建一个短促的即兴化。 不要担心结构纯洁;目标是听到弦奏中旋律的功能。这训练你的耳朵听动声,然后在演奏写作时,可以重音正确的音符。

也可以练习“召唤和反应”练习:演奏两条书面旋律,然后根据同一和弦即兴地演奏两条响应。记录这个并听。随着时间的推移,你将发展出一种更流畅的耳语、心语和滑动的连接,使你的古典演奏更加自信和生动。

混合爵士乐和古典技术的练习

下面是五场结构化的练习,开始将爵士乐方法融入到您的经典常规中。 每场练习需要5到10分钟,并且应该重复数周。

  1. 词源翻译 Drill:[ 选择任何古典格调(Bordognit, Blazhevich, 或 Kopprasch) 。 首先严格按照书面写法播放。 然后重写爵士风格的格调: 添加气痕, 动态膨胀, 和微妙的卢巴托。 记录两个版本, 比较表达效果 。
  2. 艺术矩阵: 在单比例(如B-平面主音)上,使用与下面列表不同的表达方式播放每个音符。将它们组合成一个单升降运行,每天旋转模式。
    列表:条形,斑点,鬼舌,面条舌,马卡托,斜纹对。]
  3. Slide Vibrato Control: 设定一个节拍到60 BPM. 每张音符(中C,D,E,F,G),按住4个节拍,只在第三节节拍上添加滑动的vibrato,练习慢慢地开始vibrato,同时不干扰核心投球.
  4. 节奏偏移: 采用古典节选,并采用稳重的第八音符图案。按写法演奏,然后用轻微的同步再演奏,同时保持节奏的节奏。这可以训练你的内脉,增加灵活性。
  5. 经典弦进化: 写出一段短篇古典作品(例如简单的Haydn adagio)的弦进化。 仅使用圆形弦动二分钟即刻化出一个新旋律。 然后回到写法部分中, 你会发现你的修词决定更知情。

跨越鸿沟的著名艺术家

寻找成功的事例可以激励自己的旅程。 Steve Turre 以爵士即兴演奏与古典音乐技巧混合而闻名,常常用交响乐管弦乐演奏。 Christian Lindberg 记录了爵士影响作品,并伴有他广泛的古典音乐曲谱。 Jiggs Whigham 在科隆的Hohschule für Musik 教授爵士长音,同时表演古典音乐会。他们的职业生涯表明,掌握两种音响都使你更适合市场,更能丰富多艺人,并加深你的艺术。

常见的陷阱和如何避免它们

混合风格虽然是有回报的,但某些错误会破坏你的进步:

  • 过度的爵士乐元素:[ 在古典环境中,过多的滑动紫外线或过多的卢巴托听上去可能不合适。使用这些技巧时要谨慎,并始终牢记音乐背景。
  • 失去经典精度: 不要让节奏自由变成斜拉。爵士乐的灵活性应该提高而不是取代你在严格时间内演奏的能力。经常使用节拍器练习。
  • 忽略样式规则:[ 一些古典时期(巴洛克语,早期浪漫语)在vibrato,表达,和装饰方面有着很强的约定. 研究在应用爵士概念之前,在历史上有知情的表演实践.
  • 忘记核心音: 无论你添加什么风格,总是保持一个中心,共振的音调. 爵士乐技巧是一种叠加,而不是取代基本的古典音调制作.

结论:融合是艺术增长的途径

将爵士乐的流韵技巧应用于古典演奏并不是要放弃一种风格,而是要扩大你作为音乐家的声音。爵士乐提供了自发性、情感即时性和节奏活力的工具,这些工具可以给最熟悉的古典段落注入生命。 古典主义的纪律反过来提供了技术控制和精确度,使爵士乐技巧听起来是有意的而不是草率的。

能够轻松在这些世界之间移动的长音不仅更适合工作,而且更具有创造性地满足了。从小实验开始:在长音符的结尾处摸摸滑动维布拉托,在气息下构筑一个短语形状,在和弦上几条即兴演奏。随着时间的推移,这些做法将变得自然,而你的演奏将反映一个更丰富、更完整的音乐个性。

进一步阅读这些风格的结合,请从Orpheus Institute[ 中探索资源,该研究所经常主办跨流派演奏的研讨会,或者参考诸如David Vining的“每日游乐曲”之类的方法书,这些方法书将爵士乐的词句融入到古典日常工作之中。掌握的路径不是选择一种风格,而是学习所有风格。