黄铜家族最有表现力的成员之一,长期以来一直被赞颂为黄铜家族,因其温暖、有条理的语气和独特的多面性而享有独奏、室内和乐队环境。 对于中间角色来说,那些超越基本面并准备完善其艺术的人来说,选择正确的循环是继续发展技术和音乐敏感性的关键一步。 文章中展示的作品被选为挑战与激励的能力,提供了平衡的诗歌、技术流派和风格多样性的饮食。 无论你们是在准备一场复古、一场竞赛,还是只是试图扩大个人图书馆,这些作品将为成长与发现提供有意义的机会。

为什么选这些片子?

以下所列每种构成符合中间电子乐师需要的具体标准,这些作品不仅仅是练习,而是奖励认真学习和重复表演的音乐讲话。

  • 技术发展:[ 中级玩家必须继续加强表达,扩大可用范围,并完善呼吸控制。这些作品包括音乐背景中针对这些领域的段落,使得练习比干法研究更具有接触性。
  • 音乐表达式:[ 写法,动态阴影,和调色是成熟表演者的标志. 所选作品需要注意这些元素,帮助玩家从简单的播放注释转向产生令人信服的解释.
  • 业绩经验:[ 经常编程在奏鸣曲和比赛中的汇辑,让玩家有传统感,帮助他们为现实世界的表演情况做准备,从裁定的活动到社区音乐会.
  • 风格多样性:[ 接触不同的音乐时期和风格——从巴洛克声乐抄写到当代的索纳塔斯到铜管乐队的表演作品——拓宽了玩家的音乐词汇和适应性.

高级游戏机的优波离子汇辑

1. 詹姆斯·库尔诺的Euphonium音乐会的“伦托”

詹姆斯·库尔诺是铜器和风琴组合的一门作曲家,他的Euphonium音乐厅是乐器独奏曲中的基石之一。“Lento”运动尤其是一个持续乐器化的研究。声乐风格的旋律很好地位于乐器上,使玩家能够在整个乐器最共振的射程中集中产生纯净的、中心化的音调。这里的挑战不是速度或闪光,而是控制:通过长短语控制气流,精确地塑造动态轮廓,并用vibrato来增强音乐的情感弧度。对于中间演奏者来说,这一作品是发展呼吸管理和敏感细微音的极佳载体。用无人机确保更暴露的通道的音调稳定性,并用不同的vibrato速度实验来找到自然的表达脉冲。

2. " 威尼斯的狂欢节 " (传统主题和变体)

青铜器中很少有像“威尼斯狂欢节”这样的标志性作品。 最初,它是一个尼阿波利坦民间曲调,它被众多作曲家安排为主题和变体,包括传奇的角兽学家儒勒·莱维和黄昏大师西蒙·曼蒂亚。 电子学家最常用的版本保留了欢快、滑翔的主题,并随着一系列越来越强的变体。 这部作品以快速的手指工、轻巧的表达(特别是双倍和三倍的音调)以及保持轻度和清晰度的能力挑战中间角色,它也需要一个坚实的上方记录器,因为变体常常上升到高的E-平面或F。 实用的方法是首先彻底学习这个主题,确保它优雅且精致地,然后处理变体。 使用一个中枢来逐步建立速度,通过更快的通道使空气保持强劲的移动。 “威尼斯的卡尼瓦尔”是一个时间和谐的显示器,它可以建立离心和性。

3. 罗尔夫·威廉的 " ⁇ 问题 "

罗尔夫·威廉的音乐会是中间的euphonium repertoire的支柱,经常在高中和大学的奏鸣曲中编程. 工作平衡了曲目,类似歌曲的段落与需要清澈的表达和节奏精密的精密的技术段落. 威廉的口琴语言可以使用,但为演奏者和观众提供了令人满意的音乐体验. 片段测试了玩家在单动作中导航对比人物的能力,要求声音和风格上的灵活性. 对于中间演奏者来说,音乐会为音乐会文学的世界提供了可控的第一步——一个感觉实质性但并不长的完整,自成一体的作品. 特别注意类似卡登扎的段落,这些段落应该听起来是不拘谨和自由的. 早期的钢琴辅助将帮助进行全能协调,并保持动态平衡.

4. Arthur Pryor的 " Elegy "

亚瑟·普赖尔最有名的是约翰·菲利普·索萨乐队的长音声,但他的配乐非常精妙地翻译为euphono, 一种具有类似tessitura和表达能力的乐器。 “Elegy”是一个非常沉闷的、内向的作品,它要求表演者在情感上坚持长线的歌声。 这段作品对于发展vibrato控制特别有价值,因为音乐的表达性要求有一个温暖的、无阻的音调,支持这些短语而不变得模糊。 动态微妙性至关重要:作品生活在crescendo和diminuendo的细微差别中,玩家必须学习用意向每个短语的形状。 对于中间角色来说,“Elegy”提供了一个难得的机会,可以将注意力完全集中在音乐上,而不会增加技术烟火的压力。 对于一个较慢、反射的回射时刻来说,这是极好的选择。 努力用受控制的敲击器来维持最后的音符,并探索一种维布拉托速度来匹配音乐的情感重量。

5. 马尔科姆·阿诺德的 " 索纳蒂纳 "

马尔科姆·阿诺德的索纳蒂纳是青铜器的宝石,最初是为单簧管写作,但经常在 ⁇ 上表演。作品的特点是其简洁、古典风格、清晰的词句和节奏活力。外表运动是活泼和节奏的,要求精确的通俗和柔软的手指工作,而中央慢动作则提供了一种精练的缓流调。对于寻求完善古典风格,特别是用钢琴的组合的中间角色来说,这一作品是理想的。 琴和钢琴部分的相互作用需要仔细的倾听和协调,使其成为发展协作技能的宝贵作品。 阿诺德的写作既经济又机智,奖励能够捕捉到其轻心的玩家。用中环来练习在外表运动中节奏的动作,以确保简洁,并以温和流的调与快节奏的比照。

6. 菲利普·斯巴克的 " 主题和变化 "

Philip Sparke是当代最重要的铜器作曲家之一,他的“主题和变数”已经成为了电子元件中的标准。这部作品呈现了一个简单、精密的主题,之后是一系列的变数,探索仪器的不同技术和表现方面。有些变数迅速而清晰,需要干净的单倍音符;另一些则很宽而中庸,注重持续的声音和动态范围。这部作品还测试了玩家的上位记录,其中的段落可以升至标准范围的顶端。对于中间玩家来说,这部作品提供了一个全面的处理:它发展耐力、灵活性和结构上的多功能。变格式允许有针对性的做法——在融入整体之前,可以孤立地单独地进行。请专业的电子学家听录制,以了解每个变数的特征。

7. 朱尔斯·马塞内特从泰斯 " 进行 " 调解 "

最初为小提琴写作,但来自Massenet的Thaïs歌剧的“冥想”因其飞扬、声乐风格旋律和深刻的情感深度而得到了电子乐家的欢迎。这部作品需要一种真正的音节音节——音节间无缝连接,很少的表达打断了音线。这部作品是发展气息控制和调音的出色作品,因为长篇、主语需要精心规划空中支持和动态轮廓。 电旋的自然温暖和共鸣使它成为了这种音乐特别有效的载体,使演奏者能够专注于色彩和表达。对于中间演奏者来说,“冥想”提供了一个机会,可以超越标准的铜质循环,并参与歌剧传统,给表演带来戏剧和故事感。用歌唱质量来演奏音,使用可能打破音线的微滑动或阀运动,并用微妙的节奏来实验,以提高情感影响。

8. James Curnow的 " 磷酸盐的放射性 "

库尔诺的“为优波笈多调”是单调的作品,在音节、假声和大胆、技术要求高的段落之间交替。rhapsodic形式为玩家提供了解释自由,特别是在较慢的段落中,灵活节奏和措辞可以产生一种自发的、类似语言的质量。技术章节用基于比例的运行、振动的数字以及测试整个仪器范围的灵活性和准确性的间隔来挑战玩家。对于中间角色来说,这段是值得称道的顶岩作品,它感觉是实质性的和虚拟的,没有令人望而生的难度。它还为约翰·戈兰德或马丁·埃尔比等作曲家更先进的作品提供了极好的准备。在练习时,首先侧重于乐谱部分,以便确立明确的音乐特性,然后将技术段落隔离,用于缓慢的、方法性的工作。记录自己可以帮助您评估这些顶岩部分是否听起来自然和表达性而不是中解。

9. Paul Hindemith的 " 用于钚和钢琴的太阳系 "

保罗·欣达米斯的索纳塔是现代青铜器循环的基石,对它的调适使玩家完全处于20世纪音乐思想的世界中。作品的特点是其严格的反写、角旋律和转动中心。对于中间玩家来说,这索纳塔是发展解释性精密度的重要一步。节奏挑战很大 — — 同步、不规则的口音和度量变化需要精确的计数和稳定的脉冲感。情感范围也非常广泛,从紧缩和戏剧到精练和反射,需要耐心和细心地学习这一段。用一个仪表来解码更复杂的节奏段落,研究钢琴部分来理解谐音背景。 平达米斯的索纳塔并不是传统意义上的人群喜悦者,但对参与其智力和音乐要求的玩家来说,它却非常有回报,它也表明他愿意更深入地探索现代的再演绎。

10. " 俄亥俄河岸 " (传统民歌)

这部传统的美国民歌,为euphonium所安排,它提醒人们,有效的回旋曲不需要有价值。简单的、有球的类似结构使玩家能够完全专注于调质、动态控制和音乐故事的表达。这首曲子一般都是用钢琴伴奏来演奏的,两部乐器之间的相互作用可以被作为对话来对待,增加了表达的维度。对于中间演奏者来说,“俄亥俄银行”是完善基本内容的绝佳作品 — — 产生一个横跨范围一致的声音,用自然的起落塑造短语,并传达一个叙事的弧度。它也是探索装饰和个人表达的好工具,正如民间的偶像邀请。考虑聆听民歌唱者的声音,以了解赋予这首乐器的自然的、类似语言的配音。对于中间演奏者来说,“俄亥俄州银行”应该是在不动画或不必要的装饰的情况下,使乐器唱出故事。

如何学习新东西

开始从本列表开始新的工作时,系统的方法将产生最佳效果。首先要聆听对作品的多次录音,以开发一个音效模型。然后,通过音乐慢速地读出来,以识别关键的技术和音乐挑战。下面是一些步骤:

  • 分析结构: 了解形式——主题在哪里,发展,高潮,以及卡登扎?这帮助你绘制一个解释的路线图.
  • 孤注一掷的富有挑战性的段落:[ 与其反复演奏整部作品,不如确定最难的栏目,并在重点会话中进行工作. 使用节拍器进行缓慢练习,只有在取得一致性后才能逐渐增加节奏.
  • 关于过渡的工作: 一次表演中最暴露的时刻往往是各节之间的过渡。在进行这些操作时,要特别注意节奏、动态和字符变化。
  • 开发一种精神练习常规: 远离乐器,研究分数可以直观地看到指,表达,和短语形状。这可以加强学习,改善保留,而无需满足演奏的物理要求.
  • 他人的操作: 一旦你对作品有了基本把握,就为老师、同伴甚至录音设备播放。这可以建立信任,并突出需要进一步关注的领域。

建立一份平衡的汇辑

在整个中期,保持平衡的循环饮食非常重要。 这意味着包括不同时期(巴洛克、古典主义、浪漫主义和当代)的作品、不同风格(语言、技术和表演)和不同背景(钢琴、无伴奏和综艺)的作品。 这份清单中的作品代表了起点,但还有许多其他值得探索的作品,如拉尔夫·沃恩·威廉斯的“英语民间歌曲中的六部研究 ” 、 欧仁·博扎的“亚利雅 ” 、 亚当·戈尔布的“介绍和舞蹈 ” 。 其目标是建立一个个人作品图书馆,在你的职业生涯中可以回归,随着技能的发展,提供新的见解。 一个周全的循环使你成为一个更能变多能和更有市场性的音乐家,无论你打算继续学习、加入一个军事乐队,还是作为自由职业者。

资源和进一步勘探

为了支持你对这些作品的研究,有几种资源可供使用,例如:图书音乐,出版商,例如C.L.Barnhouse和Warwick Music[提供了广泛的电子电子音效重听,国际音乐积分库项目[IMSLP]为本列表中许多较古老的作品提供公共域分,例如“威尼斯的狂欢节”和“Thaïs的回忆”。对于由Steven Mead、David Childs和Demondrae Thurman等领导电子音效的录音、YouTube和流媒体平台的表演,可以提供宝贵的解释性见解。网站Euphonium.com是新闻、评论和讨论该仪器及其重听等工具的极好的中心,最后,考虑加入国际图巴和Euphosium协会等组织,以及一个社区的出版物,e

中级《练习优 ⁇ 汇辑》提示

  • 打破困难的段落: 找出具体的技术问题——无论是指向模式,表达挑战,还是范围需求——并设计一个集中的处理方法,慢慢地工作,你每次都可以正确播放通道,只有逐渐提高速度.
  • 使用一个节拍:[ 一致的节奏是全奏和清洁技术的基础. 用节拍器在可以准确演奏的节奏上练习,然后递增节奏. 诚实地对自己——如果节奏不均匀,则放慢速度直到稳定.
  • 注意音色质量:[ euphonium最大的资产是其音色. 每天花时间在长音调和呼吸练习上,在整个动态和范围谱系中建立可靠,美丽的音色. 练习时,绝不牺牲音调以达到速度或音量.
  • 记录自己: 听到你的演奏录音会揭示出在演奏时无法听到的东西。使用录音检查内化、节奏精确度、动态平衡和措辞。将你的解释与专业录音相比较,以确定生长区域。
  • 与老师或教练合作:[经验丰富的老师可以提供有针对性的反馈,加速进步。他们可以帮助您调整你的浮雕,呼吸,和姿态,以克服高原,他们可以提供解释性指导,使音乐生动.
  • 保持一贯的做法常规: 每日练习,甚至30–45分钟,比零星的长会更有效. 将热身,技术练习,研究,和重会纳入每会,以确保全局发展.
  • 性能准备: 一旦你对音符感到舒适,时刻表练习性能模拟一个真实事件的压力,这帮助你识别了准备中的弱点,并建立了性能信心.

结论

从中间到高级演奏的旅程是音乐家发展过程中最激动人心的阶段之一。在此期间你所选择的循环将塑造你的技术能力、音乐感知和表演者的身份。本列表的十部分提供了丰富的表达和技术挑战,每一部分都精心挑选,以帮助你成长为一位委婉主义者。无论你是否被吸引到“泰伊斯的音乐”的诗歌热门、“威尼斯的狂欢节”的童话般的火花或“神话般的神话”的智慧精华,每部作品都将以新的见解和更深的音乐理解来奖励你的奉献精神。用耐心、好奇心和对卓越的奉献来看待每一部分,你会发现你通过这一循环发展的技能将为你服务一生的音乐表达。 快乐地练习,享受旅程。