소개: Trombone에 2개의 세계를 밝히기

재즈와 음악은 종종 악기 세계에 별도의 섬으로 볼 수 있지만, 두 곳에서는 trombone thrives. 역사의 가장 표현적이고 기술적으로 세련된 trombonists의 대부분은 전통과 교차 오염 된 아이디어를 통해 더 다양한 음색 음성을 만들 수 있습니다. 당신이 고전적인 트레이드 trombonist가 당신의 표현식 팔레트를 확장하거나, 또는 통제 및 정밀도를 정제하려는 재즈 플레이어가 될 경우, 이러한 음악의 통합은 크게 상승 할 수 있습니다.

이 문서는 의식적으로 그리고 효과적으로 핵심 재즈 trombone 기술을 적용하는 방법을 탐구합니다. 유연한 피라싱, 다양한 예술, 슬라이드 vibrato, 리듬 nuance 및 고전적 인 생각으로. 고전적 인 분야를 포기하는 것보다, 목표는 자연스럽게 재배하는 spontaneity, 색상 및 정서적 방향과 풍부하게하는 것입니다. 결과는 정통과 깊이로 스타일을 처리 할 수있는 더 완벽한 음악가입니다.

핵심 차이와 Overlaps 이해

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재즈 트롬본, 대조적으로, 소리의 개성, 리듬 유연성, 그리고 improvisation. 재즈 플레이어 모양 구문을 대화의 용이성으로 사용하여, 예술의 넓은 범위를 사용 (유니스트 톤구, 가을-오프, 그리고 도트 포함), 종종 더 편안하고 부유 한 리듬 느낌을 고용. 음색은 단일 솔로 내에서 극적으로 다를 수 있으며, 화분은 표현 효과 (파랑 노트, 쿼튼)에 대한 비례 될 수있다.

이 명백한 차이에도 불구하고, 기본적인 기계 -breathe 지원, embouchure 대형, 슬라이드 컨트롤 및 핵심 톤 생산 - 동일. 두 분야에서 최고의 플레이어는 공기 흐름의 탁월한 제어와 귀와 악기 사이의 깊은 연결을 공유합니다. 이 일반적인 기초 인식은 고전적인 무결성을 희생하지 않고 고전적인 연주에 적용 할 수 있습니다 재즈 개념을 허용합니다.

역사 교차점화

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Key Jazz Trombone 기술로 Classical Playing에 통합

다음 기술 형태 jazz trombonist의 도구 키트의 핵심. 주의 적용할 때, 각각은 고전적인 레퍼토리에 새로운 레이어를 추가할 수 있습니다.

  • Flexible Phrasing: Jazz phrasing은 자연 ebb와 tempo 및 역동적 인 매체와 함께 더 큰 음악 문장의 일부로 노트를 치료합니다. 클래식 플레이어는 서로 동일한 주의를 실행하는 것보다 더 유기적으로 더 많은 문구를 형성 할 수 있습니다.
  • 조합 배양: 표준 tonguing을 넘어, 재즈는 유령 노트를 사용 (barely audible), 레토 혀, 슬프 혀, 그리고 “doodle” 톤구. 이 색상과 리듬 드라이브를 추가합니다.
  • Slide Vibrato:] 고전적인 입술 vibrato 또는 턱 vibrato와는 달리, 슬라이드의 미묘한 진동을 포함, 더 넓은, lyrical 통행에 대하 더 온난한 피치 변동.
  • Rhythmic Feel and Syncopation: Jazz rhythms Swing, but even straight piece benefits from the subtle forward Pulse and 가끔 off-beat 악센트.
  • Dynamic Nuance와 Shaping: 재즈 플레이어는 종종 극적인 swells, 급격한 방울 및 messa di voce (단일 노트에 붓기) 이야기를 말해줍니다.
  • Improvisational Awareness: 심지어는, chord 진행을 듣고 구제적인 공법의 인식을 알고, 더 많은 자신감과 장식을 알려.

Classical Repertoire에서 유연한 Phrasing 적용

클래식 trombone 부품, 특히 관현악 설정에서, 종종 긴, 정적 구절 또는 반복 된 리듬 인물로 구성되어. 의도적 인 파싱없이, 이들은 정적을 소리 할 수 있습니다. 재즈 파싱은 각 구절을 월리로 생각하도록 가르치고 있습니다. 공간, 건물 긴장, 높은 지점에 도달하고 해결하기 위해 노력하고 있습니다.

이 작업을 수행하려면 고전적인 etude 또는 excerpt (Mozart serenade 또는 Bordogni 보컬라이스에서 로마제와 같은)을 선택하십시오. 기록 자신은 서면으로 재생, 엄격한 시간과 동등한 역동적 인 수준. 그런 후,이 시간은 약간의 루미나를 허용 - 구문 끝에, climax로 약간 밀어. 각 선의 아치를 형성하기 위해 숨을 사용합니다. 두 개의 녹음을 비교하십시오. 두 번째 버전은 더 많은 인간적 인 소리, 인간적 인 소리 및 흥미 진진한 소리를 가질 것입니다.

그것은 미묘한 남아있을 것이 중요합니다. 클래식 컨텍스트는 거의 극한 tempo 교대를 허용하지만 중요한 메모에 약간의 10uto는 작곡가의 의도를 위반하지 않고 음악을 가져올 수 있습니다.

예술과 톤 색상 향상

클래식 예술적 표하기 (staccato, Legato, marcato, tenuto)는 상대적으로 약간입니다. 재즈 trombonists는 다른 리듬 느낌을 달성하기 위해 Tonguing의 훨씬 더 미세한 광선을 사용합니다. 예를 들어, "ghost"주의는 혀로 빛으로 그 유일한 percussive 대중 음악 또는 극단적 인 퇴색 피치 소리. 이 기술은 고전적인 통로에서 사용 될 수 있으며 거리 또는 미스터리의 효과를 만들 수 있습니다. 특히 현대 리퍼 레토에서.

또 다른 유용한 articulation은 빠른 통과에 부드러운 압연 품질을 추가 할 수있는 "doodle"혀 (빠르고 유체 이중 투약 효과)입니다. 클래식한 조각에서 급속한 6teenth-note에 doodle tonguing을 적용해보십시오. 표준 "ta-ka"두 배 혀보다 더 유체와 적은 초피를 소리가 나게됩니다.

적용 사례: Classical Passage

라벨의 Boléro 에서 Trombone Solo의 오프닝을 고려하십시오. 멜로디는 노래, 지속적인 품질을 요구합니다. 많은 고전적인 선수는 일관적인 레라토 articulation를 전반 사용합니다. jazz-influenced 접근은 온화한, 거의 속임수 공격 (ghost Tonguing the first note)로 시작하고, 더 풀러 소리로 붓고, 더 긴 노트에 약간의 슬라이드 vibrato를 추가하여 보컬 결과를 자극합니다. 더 적은 기계적 및 기계적 결과로 더 적은 기계적 성질을 보입니다.

더 구체적인 운동을 위해, 5개의 다른 articulation 작풍을 통해서 간단한 가늠자 통행 그리고 주기를 가지고 가십시오: 표준 détaché, Legato 혀, 유령 노트, doodle 혀 및 지나치게 crisp staccato. 기록과 각을 듣습니다. 이것은 당신의 articulation 팔레트를 건설합니다 그래서 당신은 어떤 음악 순간든지를 위한 가장 급행 선택권을 선택할 수 있습니다.

Emotional Depth를 위한 슬라이드 Vibrato 사용

슬라이드 바이브로토는 클래식한 연주를 변환 할 수있는 가장 독특한 재즈 요소 중 하나입니다. 더 일반적인 입술 vibrato와는 달리 (무관압을 변경하여 피치를 변화) 또는 턱 vibrato (oscillates the 턱), 슬라이드 바이브로토는 특히 낮고 중간 등록 메모에 따뜻하게 소리가 더 느려지게 진동합니다.

슬라이드 바이브로토 연습하기: 지속된 노트를 잡아 (중 C에서 중간 C까지의 전적으로). 입술과 턱을 유지, 부드럽게 슬라이드를 이동 하 고 반 단계 총 운동에 대 한 - 초당 약 4 ~ 6 진동의 속도로 이동. 천천히 시작 하 고 점차 증가 속도. 모션 손목과 배에서 와서 어깨가 아닌.

클래식한 연주에서 슬라이드 vibrato 스패링을 사용합니다. 그것은 구문 끝에 전체 노트에 아름답게 작동하지만, 느린 melodic 라인 (Berlioz의 Hungarian March 또는 Wagner's Tannhäuser overture), 그러나 vibrato가 종종 캐비테이션에 예약되는 Baroque 음악에서 그것을 피합니다. 사용은 튀거나 다이어그램을 소리 할 수 있습니다. 좋은 규칙은 비례적인 메모를 수행하거나, 구조적 인 메모를 수행하거나, 구조적 인 메모를 수행하기 위해 매우 중요합니다.

Rhythmic Feels 및 Dynamics를 통합

클래식 리듬 실행은 일반적으로 엄격 하 게-스윙 허용 되지 않습니다. 그러나, 여전히 비트 뒤에 "behind the beat"또는 "ahead of the beat" phrasing의 재즈 개념을 빌릴 수 있습니다. 느린에서 비트 뒤에 약간 재생, lyrical 구절은 휴식과 빵의 느낌을 만들 수 있습니다. 약간을 재생 하 게 energetic allegro 드라이브와 긴급을 추가할 수 있습니다. 이것은 스윙, 하지만 리듬 그리드의 하위 조작.

의 역학은 종종 단일 구문 내에서 형성된다 : a crescendo 는 거의 아무것도에서 시작 할 수 있으며 강력한 피크를 구축하고, 갑자기 떨어지는. 고전 선수는 긴 노트 또는 반복 패턴에이 기술을 적용 할 수 있습니다. 예를 들어, Mozart Requiem (Trombone Solo "Tuba mirum")의 두 번째 운동에서 많은 선수는 일관성있는 mezzo forte 를 유지합니다. 대신, 매우 부드러운 pianissimo 의 입구를 시작하려고합니다. 다음의 공격에 대한 다음의 공격을 다시 시작하십시오.

Classical Performance를 위한 Improvisational Awareness 개발

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또한 연습 할 수 있습니다 “콜 및 응답” 운동: 쓰기 멜로디의 두 바를 재생, 다음 동일한 콜드에 따라 응답의 두 바를 향상. 이 기록과 듣기. 시간이 지남에 따라, 당신은 귀, 마음, 슬라이드 사이의 더 유창한 연결을 개발할 것입니다, 더 자신감과 살아 고전을 연주.

재즈와 클래식 기술 혼합 연습

아래는 5 개의 구조 운동은 고전적 일상에 접근하는 재즈를 통합하기 시작합니다. 각 5 ~ 10 분이 걸리며 몇 주 동안 반복되어야합니다.

  1. Phrasing Translation Drill:] 어떤 고전적 에드 (Bordogni, Blazhevich, 또는 Kopprasch)를 선택하십시오. 작성된대로 먼저 재생합니다. 그런 다음 재즈 스타일에 피싱을 다시 작성하십시오. 숨막히는 표, 동적 붓, 그리고 미묘한 루토를 추가하십시오. 표현적인 충격을 비교하기 위해 두 가지 버전을 기록하십시오.
  2. Articulation Matrix: 단 하나 스케일(예: B-flat major)에서, 아래 목록에서 다른 articulation을 사용하여 각 노트를 재생합니다. 단일 ascending과 후손 실행에 결합하십시오. 패턴을 매일 회전하십시오.
    ]List: Legato, staccato, 유령 혀, doodled, maruturto]]
  3. 슬라이드 바이브로토 제어: 60 BPM에 metronome을 설정합니다. 각 참고 (중간 C, D, E, F, G)에, 4개의 비트를 붙들고 있습니다. 3개의 비트에서만 슬라이드 바이브로토를 추가하십시오. 이 작업을 통해 천천히 그리고 매끄럽게 핵심 피치를 혼란 없이 실행하십시오.
  4. Rhythmic 진지변환:] 은 8시간 노트 패턴으로 클래식 발췌를 얻고 있다. 작성된대로 재생한 후, 약간의 동기화로 다시 재생한다. (각 비트의 "및") 은 온도를 엄격하게 유지하면서. 이 훈련은 내 펄스를 추가하고 유연성을 추가한다.
  5. Classical Chord Progression에 대한 개선: 짧은 고전 조각의 chord 진행을 작성 (예를 들어, 간단한 Haydn adagio). 2 분 동안 arpeggios 만 사용하는 새로운 멜로디를 개선합니다. 그런 다음 서면 부분에 반환하면 phrasing 결정을 더 알릴 수 있습니다.

Divide를 교차하는 예술가

성공적인 예시를 보면 자신의 여행을 영감을 줄 수 있습니다. ]Steve Turre]은 고전적인 기법과 재즈의 improvisation을 혼합하여 종종 symphony Orchestras와 수행됩니다. Christian Lindberg]는 그의 광대한 고전적 인 고전적 인 음악과 함께 재즈에 영향력있는 작품을 기록했습니다. ]]는 다양한 아티스트를 연주하는 데 도움이 될 것입니다.

일반적인 Pitfalls 및 Them을 방지하는 방법

혼합 스타일은 보상이지만, 특정 실수는 진행 상황을 파악할 수 있습니다.

  • Overdoing Jazz Elements: 너무 많은 슬라이드 vibrato 또는 과도한 rubato는 고전적인 설정에 부적절한 소리를 할 수 있습니다. 이 기법을 사용하여 항상 음악적 상황에 염두에두고.
  • Losing Classical Precision:] 슬로프가 되다. 재즈 유연성은 향상, 교체, 엄격한 시간에 재생할 수있는 능력. metronome 정기적으로 연습.
  • Ignoring Style Rules: 일부 고전적인 시대 (바로크, 초기 로맨틱)는 vibrato, articulation 및 장신구에 대한 강한 협약을 가지고 있습니다. 재즈 개념을 적용하기 전에 연구에 대한 역사적 정보를 얻은 성능 연습.
  • Core Sound:] 어떤 스타일도 추가하지 않고, 항상 중심의 톤을 유지. 재즈 기술은 과감한, 기본 클래식 톤 생산을 위한 교체가 아닙니다.

결론 : 미래 성장의 길로 융화

재즈 트롬본 기법을 클래식한 연주에 적용하면 다른 한 스타일에 버려지지 않습니다. 그것은 음악가로 목소리를 확장하는 것입니다. 재즈는 스푼 탄도, 감정적 인 감성적, 그리고 가장 익숙한 고전적 구절으로 삶을 숨을 수있는 리듬 활력을 제공합니다. 클래식 분야는 재즈 기술 사운드 의도를 만드는 기술 제어 및 정밀도를 제공합니다.

이 세상 사이에서 쉽게 이동할 수있는 trombonist는 더 많은 고용이 아니지만 더 창의적으로 성취되지 않습니다. 작은 실험과 함께 시작하십시오. 긴 노트의 끝에 슬라이드 vibrato의 터치, etude의 숨구멍 모양, 초상화 진행에 대한 몇 가지 막대. 시간이 지남에 따라 이러한 관행은 자연이되고, 재생은 풍부한, 더 많은 완벽한 음악 성격을 반영합니다.

이 스타일을 결합하는 데 더 많은 독서를 위해, Orpheus Institute]], 종종 크로스 - 겐레 연주에 워크샵을 호스팅, 또는 데이비드 빈닝의 같은 방법 책에 상담 Daily Routines for Trombone 그 통합 재즈는 고전적인 일상 작업. 마스터리의 경로는 하나의 스타일에 대해 선택하지 않습니다. 그것은 그들 모두 학습의 모든 학습에 대해 모두.