재즈는 20 세기 초반의 뉴 올리언스 문화 발효에서 태어난 것은 일련의 변형 스타일을 통해 진화했으며, 각은 개량의 예술을 다시 형성했습니다. 장르의 끝을 향한 심박수. 스토리빌의 polyphonic 거리에서 현대 도시의 실험적 로프트에, 재즈의 improvisation은 공연자의 기술 마스터 및 정서적 깊이를 반영합니다. 이러한 스타일의 진행을 이해하기 위해 독특한 예술과 예술의 변화와 예술의 변화에 대한 지속적인 연구와 기술 혁신을 통해 세계를 변화시키는 기술입니다.

초기 재즈 및 뉴올리언스 스타일

세기의 회전에 새로운 올리언스는 뮤지컬 전통의 무능력이었다 : 푸른, 라임, 황동 밴드 marches, 영, 카리브 해적. 1917 년 주위에 가장 귀 재즈 기록은 공동의 improvisation에 내장 된 음악 양식을 캡처, 코르넷, 클라리넷, 그리고 trombone 잡초의 melodic 라인은 리듬 기반 주위에. 이 polyphonic 질감 - 종종 "뜨거운" 연주 - 엄밀하게 소리를 듣고, 졸리슨과 같은 소리를 듣고, 이 글래스런 음악을 듣고, 졸리슨은 소리를 듣고, 졸리슨의 소리를 듣고, 졸리슨의 소리를 듣고, .

Early Jazz Improvisation의 핵심 기술

  • Collective improvisation: 클래식 뉴 올리언스 프론트 라인 (cornet, clarinet, trombone)에서, 각 악기는 멜로디를 수행, 클라리넷이 주위에 wove, trombone 재생 슬라이딩 조화, 화려한 싱크대.
  • Melodic embellishment와 변이: Musicians는 " Saints Go Marching In"과 같은 간단한 튜치를 취하고, 리듬을 변경하거나 파편으로 깰, melody 자체에서 솔로를 구축하는 것은 합창한 변화보다.
  • 채널과 응답: 작품곡과 교회 음악에서 보로가, 이 기법은 솔로 "call"에 의해 대답 (또는 다른 솔로니스트), 극적인 긴장과 방출을 생성.
  • 바렐 하우스와 stride 피아노: 솔로 또는 작은 그룹 컨텍스트에서, 피아니스트는 왼쪽 리듬 그림 (스트리 10 및 옥브)을 사용 하 여 올바른 손 멜로디를 개선 하 고 나중에 지방 벽저 같은 스윙 피아니스트를 영향 기술.

이 초기 스타일은 개별 비만에 대한 기념 창의력을 강조하고, 플레이어 중 대화로 재즈를 무대로 설정합니다. 블루스 피라싱의 영향 - 브랜딩 노트, 성장, 그리고 리듬 스윙 - 알레드는 이러한 성능을 침투, 재즈를 즉시 "디티" 톤과 번영 느낌에 의해 인식.

스윙 Era 및 큰 밴드 Improvisation

1930 년대에, 재즈는 시카고의 작은 뉴 올리언스 콤보에서 춤 홀로 이동했다, 뉴욕, 그리고 캔자스 시티, 어디 큰 밴드 10 받는 사람 여섯 번째 음악가 지배. 스윙 Era (구속 1935–1945) 라디오를 통해 질량 청중에 재즈를 가져, 기록, 그리고 Savoy Ballroom 같은 장소에서 라이브 방송. 듀크 엘리링턴, 카운트 바스티, 그리고 Benny Goodman 균형 단단한 조각을 만드는 것은 종종 춤을 추는 소리와 함께, 깊숙한 춤을 추는 소리로, 그리고 춤을 추는 소리로 움직였다.

Big Band Context에 대한 개선

  • 솔로는 배열된 배경에 대한 개선: 르스테 젊은 (텐더 sax), 콜만 호킨스 (텐더 sax), 로이 엘드리지 (trumpet)가 빚을 하거나 지속되는 해로니를 연주하면서 chord 진행을 통해 개선했습니다. 젊은이의 휴식, 멜로디 스타일 및 호킨스의 강력한 조화로운 접근은 세대에 대한 모델이되었습니다.
  • Riff 기반 improvisation: 바리 밴드에서, 독주들은 간단한, 반복 구문 (riffs)에서 선을 내장하고, 밴드가 그 뒤에 재생할 수 있습니다, 호출 및 응답 효과를 창출. 이 접근 방식은 개인 접근 및 무용 친화적으로 만들어졌으며, 전염성이 보존됩니다.
  • 블루와 오톤 스케일: 스윙 어머 놀랐다. 블루스 스케일 (평화 세 번째와 일곱 번째)과 오톤틱 패턴을 공예 표현, 토성 솔로. 호킨스 '1939 녹음 "바디와 영혼"콘텐츠는 어떻게 솔로가 chord 변경에 멜로디 아크를 개발할 수 있는지 보여줍니다, 나중에 bebop에 영향력.
  • ]분해 촉매로 대체:] Duke Ellington은 구성과 improvisation 사이의 선을 blurring하는 mimicked improvised phrasing, blurringing 부분을 썼다. 그의 구성은 "Cotton Tail"과 "Mood Indigo", 독특하고 질감있는 독감과 질감을 탐구하는 조직을 제공.

스윙 시대의 시대는 큰 밴드 (예 : Benny Goodman의 트리오 또는 쿼터) 내에서 작은 그룹의 상승을 보았으며 더 친밀한 improvisation을 가능하게합니다. Harlem의 Minton 's Playhouse와 같은 클럽에서 시간을 낭비 한 잼 세션 문화는 다음 혁신적인 스타일에 대한 도가니가되었습니다.

Bebop: 고조파 복합물 및 바이러스성 증폭

1940년대 초, 젊은 음악가-Charlie Parker (alto sax), Dizzy Gillespie (trumpet), Thelonious Monk (piano), Kenny Clarke (drums)-Bgan 밀어 jazz 급진적으로 새로운 방향으로. Bebop는 빠른 tempos, 복잡 한 melodies, 그리고 급진적 조화 실험의 호의에서 스윙의 춤 중심 리듬을 거부했다. 이 음악은 "작은"에 대한 스트레칭을 연주했다.

키 Bebop 임계 기술

  • Advanced chord 대용암호: Bebop 음악가들은 종종 교체 또는 대용 합창(예: 지배적 합창)을 가진 표준 합창을 대체했습니다. 부유 한 고조파 경로 만들기. Parker의 독수리적 인 선구성을 통해 "Ornithology"와 같은 곡에 독수리의 독수리를 계산합니다.
  • Chromaticism and method notes: Players는 chromatic pass tones를 사용하여, 예상치 못한 해결된 장력을 구축했습니다. "bebop scale"-는 표준 도구와 다섯 번째와 여섯 번째 도 사이 색 전달 톤을 가진 주요 스케일입니다.
  • 초음파 음파 (9, 11, 13): 슬라이딩 트리즈 또는 일곱 번째 초, 베보프 솔로리스트가 현대적이고 정교한 사운드를 강조했다. 디지 글래스 글래스 글래스 글래스 글래스 솔로는 종종 증강 11 및 평면 9를 사용했습니다. "외부"감.
  • Fast, intricate melodic line: 8h-note는 breakneck speed에서 실행되며, 종종 arpeggios 및 sequences를 통합하여 특별한 기술을 요구했습니다. Parker의 유명한 "Bird" 스타일은 오래 특징이며, 아이디어의 연속 스트림을 생성하는 바 라인을 묶어 구문을 흘렸습니다.
  • Rhythmic 변위와 동기화:] Bebop Drummer Max Roach는 cymbal가 베이스 드럼과 스레어가 추가된 동요가 있는 동안 꾸준한 맥박을 유지한 작풍을 개발했습니다, 수시로 악센트는 2와 4를 이길 또는 시간을 끊기. Soloists는 층으로 덧붙여서 층으로 묶인 리듬 직물을 창조할 것입니다.

Bebop는 지적 예술 형태에 대중적인 오락에서 재즈를 변형했습니다. 그것의 불확실한 수요가 깊은 이론적인 이해 - 가늠자, chords의, 모양 ("리듬 변화"와 같은 대중적인 노래 구조에 근거를 둔) - 그리고 즉시 창조력. 학생이 독을 표현하고 "변화를 실행하는"를 연습하는 것과 같이 jazz 교육에 있는 작풍의 영향은, 오늘, 독어학에 있는 독어를 공부합니다.

Hard Bop과 Soul Jazz : 블루시 뿌리와 복음의 열정

비보프의 복잡성 때때로 외계인 관객, 1950 년대에 반응은 푸른과 고스펠 기반에 재즈를 가져왔다. 하드 붕, 예술 Blakey, Horace Silver, Cannonball Adderley와 같은 음악가에 의해 개척, bebop의 조화를 유지하지만 더 많은 지구적 리듬, 전화 및 응답, 그리고 변조 영향으로 주입. 영혼 재즈, 스미스, 뿔, 뿔, 뿔, 뿔, 뿔, 뿔, 뿔, 뿔, 뿔, 뿔, 뿔, 뿔, 뿔, 뿔, 뿔, 뿔, 뿔, 뿔, 뿔, 뿔, 뿔, 뿔, 뿔, 뿔, 뿔, 뿔, 뿔, 뿔, 뿔, 뿔, 뿔, 뿔, 뿔, 뿔, 뿔, 뿔, 뿔, 뿔, 뿔, 뿔, 뿔, 뿔, 뿔, 뿔, 뿔, 뿔, 뿔, 뿔, 뿔, 뿔, 뿔, 뿔, 뿔, 뿔, 뿔, 뿔

Hard Bop 및 Soul Jazz의 개선

  • 블루스 기반 파라싱과 타오토닉 멜로디:] 솔로리스트는 파란색 규모와 혼성 굽힘에 크게 의존하고, 종종 인간 목소리를 에뮬레이션하는 "디디티" 톤을 연주했다. 실버의 구성은 "프리커"와 같은 고스펠 같은 외침을 가지고 있으며, emotive 솔로를 초대하는 고스펠 같은 외침을했다.
  • 독자와 밴드 사이의 커와 응답: Blakey의 재즈 메신저에서, 경적은 동적인 인터플레이를 만드는 날카로운 럼프와 함께 솔로리스트의 구문에 응답할 것입니다. 이 기술은 즉시 음악을 유지한다.
  • Groove-지향적 인 improvisation: 영혼 재즈 플레이어는 종종 깊은, 반복적인 홈으로 잠겨, 점차적인 빌드로 더 긴 솔로를 탐험 할 수 있습니다. Organist Jimmy Smith는 Hammond B-3의 지속베이스 페달과 빙하 Leslie 스피커를 사용하여 청색을 렌치한 라인에 대한 hypnotic 백드를 만듭니다.
  • Modal과 Scale-based soloing: modal jazz로 급진하지 않는 동안, 하드 bop soloists는 점점 더 사용 된 모드 (특히 Dorian과 Mixolydian)을 사용하여 정적 vamps에 대한 개선, 이 포로 혁명을 지적.

단단한 bop 및 영혼 jazz는 bebop의 조화 혁신을 희생하지 않고 접근 및 정서적 직접적 접근을 유지. 이 스타일은 1960 년대를 통해 대중 남아 있으며 나중에 funk 및 R & B에 영향을 미쳤습니다.

1950년대 후반에는 모달 재즈의 모험과 함께 퍼레이드그마 교대를 목격했습니다. 가장 유명한 Miles Davis 1959 앨범 Kind of Blue. Modal jazz는 단일 스케일 또는 모드를 통해 개선하는 것에 대한 빠른 초소화 변화를 최소화하고 지속적으로 조화를 이룹니다. John Coltrane의 나중에는 “FLT:2”라고 불리는 “FLT:3F”라고 불리는 “FLT:3F”라고 합니다.

  • Scalar 탐험과 melodic 셀: 대신에 콜드의 대신, 솔로리스트는 단일 모드의 노트에서 멜로디를 내장 (예: 도리안, Phrygian, 또는 Lydian). "그래서"에 콜트라네는, 도리안 스케일을 통해 상승하는, 품질 흐름을 생성하는, 긴 동기화 된 구문을 재생합니다.
  • Longer, lyrical 구문: 빈번한 콜드 변경의 압력 없이, improvisers는 더 긴, 더 보컬 라인을 개발할 수 있었습니다. Miles Davis의 뮤트럼펫은 "Flamenco Sketches"는 섬세한, 천천히 구축하는 통기성 구문을 사용합니다.
  • Rhythmic and dynamic variable: Modal sections often relied on the 꾸준한 pulse (두 베트 느낌 또는 부드러운 스윙을 유지), 독소를 사용하여 정적 충격에 대한 리듬 진지변환, 침묵, 동적 swells. Coltrane의 "내 좋아하는 것들"은 정적 인 climaes를 구축 modal soloing과 함께 운전 waltz 리듬을 사용합니다.
  • 모드 내에서 pentatonic과 blues scale의 사용:] modal context에서, soloists는 청색을 덮는 지구를 추가하기 위해 전향을 갖게 될 것입니다. 빌 Evans의 피아노 솔로 ] 블루의 눈] 크롬 전달 톤과 블루스 평평한 다섯 번째와 함께 modal 순수성을 결합합니다.
  • 비서양 가늠자에 대한 폭발: Modal jazz는 인도 ragas, 아랍 maqams 및 아프리카 pentatonics에서 가늠자에 문을 열었습니다, 콜트라네 및 다른 사람에 의해 완전히 악용.

모달 재즈는 melody, mood, 그리고 공동 인터플레이에 초점을 맞추기 위해 부패의 조화를 상징합니다. 또한 다음을 수행 한 avant-garde 실험을 위해 지상 작업을 놓았습니다.

무료 재즈와 Avant-Garde

1960년대 초반에 더 급진한 출발이 등장했습니다. 무료 재즈, 큰 선구자 Ornette Coleman과 Pianist Cecil Taylor가 선구자했습니다. 무료 재즈는 전통적인 재즈의 기본 구조로 대체되었습니다. 정형화 된 초소화, 일반 온도, 심지어 기존의 조화를 이루었습니다. 전적으로 spontaneous이라는 집단적 improvisation의 호의. 이것은 chaos가 아니지만, 새로운 형태의 조직의 형태는 motifLT development, texts, coleman, colleman, colleman, colleman, colleman, colleman, colleman, colleman, colleman, colleman, colleman, colleman, colleman, colleman colleman, colleman , colleman , colleman , colleman , , colleman , colleman colleman colleman colleman colleman colleman colle colleman colleman colleman

무료 재즈 임업 접근법

  • Athematic improvisation: 라더는 멜로디 또는 콜드 진행으로 시작, 음악가는 노트, 리듬, 또는 에너지 레벨로 시작, 그 후 의식의 공동 스트림을 개발. 세실 테일러의 피아노 milieus는 클러스터와 밀도를 갖고 전통적인 음극을 갖는 것을 실행합니다.
  • ]전극적인 역할 없이도 경쟁적인 improvisation:] 고전적인 무료 재즈 채식 또는 더블 채식에서, 모든 플레이어는 동시에, 두꺼운 질감을 창조합니다. 듣기는 음악가가가가 서로의 제스처, 건축 긴장, 밀도 및 방출에 반응하는 것과 같이 중요한 것.
  • 확장된 계측 기법: Players used overblowing, multiphonics (한 번에 두 개의 노트를 생산), 키 클릭, 새로운 소리를 만들 수있는 비공식적인 손가락. 존 콜트라네의 사운드 시트-필리핀, 색조는 이 접근법을 업그레이드 해파 클라우드로 흐르는 것을 실행한다.
  • Free tempo 및 메트릭 교대: 꾸준한 이음 유지되지; 음악은 속도를 높일 수 있습니다, 느려지거나 그룹 교대에 근거를 둔 altogether. 드럼은 종종 그네 보다는 오히려 색차적, 깨진 시간을 재생합니다.
  • Motivic 개발 원칙을 조직으로: 임의를 명백하게 하지 않고, 무료 재즈는 종종 작은 멜로디 또는 리듬 셀 (모티브)의 반복과 변형에 의존한다. Coleman의 독소는 단순하게, 푸른 구문은 추상화이다.

무료 재즈는 음악 한 곡으로 많은 사회적 진술이었습니다. 그것은 인종, 기관적 규범 및 예술의 기념으로 도전했습니다. 그것의 비난 언어는 나중에 재즈뿐만 아니라 현대 고전적이고 실험적인 음악에 영향을 미쳤습니다.

재즈-록 융잉과 Beyond

1960 년대와 1970 년대 후반에, 재즈 음악가 바위, funk 및 전자 기기의 요소를 통합 시작, 융화로 상승. 마일 다비스 전기 그룹과 같은 밴드 ( 침묵하는 방법, ]Bitches Brew), 날씨 보고서, 그리고 바위 리듬과 함께 포괄 재즈의 반환, 앰버서더의 수많은 효과와 함께. 이 제품은 1990 년대 후반에 현대의 영혼과 현대의 조화를 이루고 있습니다.

융합과 현대 improvisational 기술

  • 전기 기기 및 효과: 기타리스트는 존 맥래플린과 Pat Metheny 사용 된 왜곡, wah-wah, 그리고 솔로를 형성하기 위해 페달을 지연. 허브 Hancock의 키보드 통합 합성기 및 보드코더, 확장 톤 팔레트.
  • Rhythmic experimentation: Fusion은 종종 funk backbeats, 확률 미터 (5/4, 7/8), 세계 음악에서 파생 된 폴리 리듬을 고용했습니다. Drummer Tony Williams는 바위 같은 에너지로 재생되었으며 리듬 느낌을 밀어줍니다. 금속 및 전자 춤 음악 리듬도 통합되었습니다.
  • Hybrid scales and modes: Fusion improvisers Blended bebop scales with blues, pentatonic, 이국적인 scales (예: 헝가리 미성년자, 일본 pentatonic). Joe Zawinul의 Weather Report에 대한 구성은 종종 히프라노틱 vamps에 도리안과 Phrygian 모드를 사용했습니다.
  • Groove 기반 improvisation: 많은 fusion soloists는 반복베이스 라인 또는 리듬으로 잠금을 해제하고 그 플랫폼에 확장 된 솔로를 구축, 효과에 대한 반복을 사용하여. 이 접근은 "jam band"의 전통 (Medeski Martin & Wood, The Bad Plus)에 중앙입니다.
  • 기술 통합: 루프러, 샘플 트리거, 라이브 전자는 현대 임로비스를 실시간으로 레이어 소리를 허용하고, 디센스, 진화 질감 만들기. 로버트 글라스퍼와 Kamasi 워싱턴과 같은 아티스트는 힙합 비트와 전자 생산을 가진 음향 재즈의 improvisation을 결합합니다.

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Improvisation의 끝

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Further reading: jazz 역사의 종합적인 개요를 위해 ]All About Jazz 아카이브를 살펴보십시오. ]The Jazz Piano Site와 ]Jazz Advice를 통해 특정 기법의 이해를 깊게 읽으십시오. ]:2]:2:2:2:2:2]